La Fundación Épica La Fura Dels Baus nos invita a sumergirnos en un viaje fascinante donde el arte, la ciencia y la tecnología se entrelazan para dar forma al futuro. Del 16 de septiembre al 3 de noviembre, el Port de Badalona será el escenario del festival internacional «The Gate», un evento que promete revolucionar nuestra forma de entender y relacionarnos con el mundo.

Un puente entre disciplinas

«The Gate» es mucho más que un festival; es un espacio de encuentro donde científicos, artistas y tecnólogos de todo el mundo se reúnen para compartir ideas, conocimientos y experiencias. A través de exposiciones interactivas, performances, conferencias y talleres, los visitantes podrán explorar las últimas tendencias en ciencia y tecnología, y descubrir cómo estas están transformando nuestra sociedad.

La Inteligencia Artificial como protagonista

Uno de los temas centrales del festival es la Inteligencia Artificial (IA). ¿Cómo podemos aprovechar el potencial de esta tecnología para mejorar nuestras vidas sin perder nuestra humanidad? «The Gate» nos invita a reflexionar sobre este y otros desafíos que plantea el mundo digital, y a buscar soluciones creativas y colaborativas.

Una programación diversa y enriquecedora

La programación del festival está dividida en cuatro bloques temáticos:

Oceans in transformation: Un viaje por los océanos y su transformación debido a la acción humana.

European Performing Science Night: Una noche dedicada a acercar la ciencia al público a través del arte.

Air S+T+ARTS Festival: Los resultados de las residencias artísticas que han explorado la intersección entre arte, ciencia y tecnología.

The Gate Pro: Un espacio de debate y reflexión para profesionales del sector.

Un futuro más sostenible y humano

«The Gate» busca inspirar a las nuevas generaciones y fomentar una cultura de la innovación y la sostenibilidad. Al combinar arte y ciencia, el festival nos muestra que es posible construir un futuro más justo y equitativo para todos.

El Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, en colaboración con la Secretaría de Arte y Cultura de la Universidad Nacional de La Plata, se complace en anunciar la segunda edición de su concurso que fusiona lo mejor del arte y la tecnología.

¿De qué se trata?

Esta convocatoria busca impulsar proyectos innovadores que exploren las intersecciones entre la creación artística y las herramientas digitales. Se trata de una invitación a presentar propuestas audaces y originales que re imaginen las formas en que experimentamos y consumimos cultura.

¿Quiénes pueden participar?

Artistas visuales, diseñadores, programadores, músicos, y todos aquellos que sientan pasión por la creación y estén interesados en explorar nuevas expresiones artísticas a través de la tecnología.

¿Cuáles son las categorías?

Arte y Tecnologías: Para aquellos que deseen crear obras artísticas que integren de manera innovadora elementos tecnológicos. Desde instalaciones interactivas hasta realidad virtual, las posibilidades son infinitas.

Innovación en Industrias Creativas: Dirigido a quienes deseen desarrollar productos o servicios tecnológicos que aporten soluciones innovadoras al sector cultural. Desde aplicaciones móviles hasta videojuegos educativos, esta categoría busca impulsar proyectos que tengan un impacto real en la industria creativa.

¿Qué ofrecemos?

Financiamiento: Se otorgarán fondos a los seis proyectos ganadores (tres por categoría) para su desarrollo y producción.

Asistencia técnica: Los proyectos seleccionados contarán con el apoyo de un equipo de expertos para su implementación.

Visibilidad: Los proyectos ganadores serán difundidos a nivel nacional e internacional.

¿Cómo participar?

Las inscripciones estarán abiertas hasta el 21 de octubre. Para conocer los requisitos y presentar tu proyecto, visita la página web del Instituto Cultural.

¿Por qué participar?

Esta convocatoria es una oportunidad única para:

Dar a conocer tu trabajo a un público más amplio.

Colaborar con otros artistas y desarrolladores.

Recibir financiamiento y apoyo para tus proyectos.

Ser parte de un movimiento que está transformando la manera en que entendemos el arte y la cultura.

Un jurado de expertos evaluará tus propuestas

En esta edición, el jurado estará compuesto por destacadas figuras del ámbito cultural, entre ellas:

Paola Pavanello: Diseñadora gráfica y especialista en gestión de proyectos culturales.

Elena Sedán: Profesora en Historia de las Artes y docente investigadora de la Universidad Nacional de La Plata.

Alejo Llamas: Licenciado y profesor en Diseño Multimedial en la Universidad Nacional de La Plata.

¡Prepárate para vivir una experiencia única en el corazón de Bogotá! El festival Open San Felipe te invita a sumergirte en un universo de arte, cultura y comunidad. Durante este evento, las calles del barrio San Felipe se transforman en un vibrante escenario donde galerías, estudios de arte, restaurantes, bares y espacios creativos abren sus puertas para recibir a todos los amantes del arte y la cultura.

Un Paseo por la Creatividad

Con más de 70 espacios participantes, Open San Felipe te ofrece una oportunidad inigualable de explorar la diversidad de expresiones artísticas que hacen de Bogotá una ciudad tan especial. Desde exposiciones de pintura y escultura hasta instalaciones interactivas, performances y música en vivo, encontrarás una amplia gama de propuestas culturales para todos los gustos.

Un Festival para Todos

Este evento es una invitación a disfrutar del arte en familia y con tus amigos peludos. La entrada es completamente gratuita y el ambiente es acogedor y relajado. Además, encontrarás una variada oferta gastronómica que te permitirá degustar los sabores de la ciudad mientras te deleitas con el arte.

Un Impulso al Desarrollo Local

Open San Felipe no solo es un festival artístico, sino también una plataforma para impulsar el desarrollo económico y social del barrio de San Felipe. Al visitar los diferentes espacios participantes, estarás apoyando a artistas locales, emprendedores y pequeños negocios, contribuyendo así a fortalecer el tejido social de la comunidad.

Un Futuro Brillante

Con cada edición, Open San Felipe se consolida como uno de los eventos culturales más importantes de Bogotá. Su objetivo es convertirse en un referente a nivel nacional e internacional, conectando a artistas de todo el mundo y fomentando el intercambio de ideas y experiencias.

El Apoyo de la Ciudad

La Secretaría de Cultura y la Secretaría de Desarrollo Económico de Bogotá respaldan este proyecto, que se enmarca dentro de la iniciativa 24 horas, cuyo objetivo es transformar la noche bogotana en una experiencia cultural única.

Este 27, 28 y 29 de septiembre ¡No te lo pierdas!

Además, cumple 15 años desde la primera edición, dato curioso, el cual es, la primera edición fue en el Centro comercial Bima, siendo la única vez que se celebró fuera de su casa principal, Corferias.

¿Qué se podrá encontrar este año?

Este año contara con 37 pabellones, cada uno enfocado en temas, entre:

Robotic Fest: Desde combates de sumo robótico hasta demostraciones de inteligencia artificial, este festival ofrece una amplia variedad de actividades para todos los gustos. Los amantes de la tecnología encontrarán en este evento el lugar perfecto para aprender, divertirse y explorar el fascinante mundo de la robótica.

Festival de Cultura Asiática: Nos invita a sumergirnos en la rica y diversa cultura de este continente. A través de juegos tradicionales, talleres de caligrafía, muestras de moda y charlas sobre historia y costumbres, donde podrá experimentar de primera mano la belleza y la complejidad de Asia.

Las cámaras del dragón: Los fanáticos del cosplay de Bogotá y sus alrededores ahora cuentan con un espacio dedicado a potenciar su creatividad. El nuevo estudio fotográfico ofrece escenarios versátiles, iluminación profesional y todo lo necesario para realizar sesiones fotográficas de alta calidad. Por su parte, los fotógrafos podrán experimentar con diferentes estilos y técnicas en un entorno creativo y colaborativo.

Nuevas Tecnologías: Aprovechando las aplicaciones interactivas y visuales, esta exhibición incluirá demostraciones en vivo, con actividades inmersivas y la posibilidad de explorar las últimas tecnologías en realidad aumentada. Es una buena oportunidad de conocer de primera mano la RA (Realidad aumentada).

El evento nos brindará la oportunidad de participar en diversas actividades, interactuar con invitados destacados y explorar los stands, donde encontraremos una amplia gama de productos para llevarnos como recuerdo.

¿Cuáles son los planes y precios?

La venta inició el 1 de agosto, siendo hasta el 14 de agosto, su primera fase de preventa, sin embargo aún están disponibles las fases 2 y 3, a continuación podrá conocer los precios y sus fechas:

Preventa Fase 1. De agosto 1 a agosto 14 (Finalizada)

Entre semana (jueves o viernes)

• Boleta individual: $20.000
• Family Pass (para 4 personas): $72.000

Fin de semana (sábado, domingo o lunes)

• Boleta individual: $24.000
• Family Pass (para 4 personas):$88.000

SOFA Pass (boleta individual por los 5 días): $92.000

Preventa Fase 2. De agosto 15 a septiembre 14

Entre semana (jueves o viernes)

• Boleta individual: $21.000
• Family Pass (para 4 personas): $76.000

 Fin de semana (sábado, domingo o lunes)

• Boleta individual: $25.000
• Family Pass (para 4 personas):$92.000

SOFA Pass (boleta individual por los 5 días): $96.000

Preventa Fase 3. De septiembre 15 a octubre 9

Entre semana (jueves o viernes)

• Boleta individual: $22.000
• Family Pass (para 4 personas): $80.000

 Fin de semana (sábado, domingo o lunes)

• Boleta individual: $28.000
• Family Pass (para 4 personas):$104.000

SOFA Pass (boleta individual por los 5 días): $106.000

Venta Fase Final, durante el evento. De octubre 10 a octubre 14

Entre semana (jueves o viernes)

• Boleta individual: $25.000
• Family Pass (para 4 personas): $92.000

Fin de semana (sábado, domingo o lunes)

• Boleta individual: $31.000
• Family Pass (para 4 personas):$112.000

SOFA Pass (boleta individual por los 5 días): $118.000

A medida que pasan los días, los organizadores darán a conocer más información sobre los invitados especiales y otras actividades que tienen preparadas.

Su última edición fue en el 2018, sin embargo, en el 2020 se realizó el evento a nivel mundial, desde la comodidad de casa, debido a la pandemia, siendo un éxito y desafío para la imagen internacional de Bogotá. Ahora, en el 2024 viene con fuerza para capturar la capital del país, el evento será el 7 y 8 de septiembre, el día del evento los participantes contaran con la Fotoruta, la cual les indicara las 20 fotografías que deberán tomar acorde a los temas (20 en total).

¿Quiénes pueden participar?

El evento contará con 2 categorías, profesional, aficionado y con diferentes premios:

• Premio cultural Bogotá – SCRD
  • Vida de barrio: $20.000.000
• Profesional:
  • Primer puesto: $10.000.000 (Universidad EAN)
  • Segundo puesto: $7.000.000 (Universidad Jorge Tadeo Lozano)
• Aficionado
  • Primer puesto: $5.000.000 (Universidad EAN)
  • Segundo puesto: $3.000.000 (Fundación Gilberto Alzate Avendaño Bronx Distrito Creativo).

¿Cuáles son los requisitos?

Para esta edición, se debe tener presente los lineamientos en caso de ser premiado o seleccionado, también es importante el uso de cámaras profesionales, ya sean análogas o digitales.

• No usar HDR (High Dynamic Range)
• Se pueden hacer ajustes básicos de la imagen como:
  • Corrección de color
  • Saturación
  • Brillo
  • Contraste
• Resolución mínima de 300 DPI, Medida 50 x 70 cm. Formato JPG.
• Para todas las fotografías, excepto Premio fotografía celular, se exige uso de cámara fotográ­fica.**

Para enviar las fotografías, se deben presentar las imágenes relacionadas con cada uno de los temas en una carpeta titulada con nombre-apellido-categoría, con un documento con la siguiente información y estrictamente en este orden:

1. Nombre completo.
2. Número de identificación personal.
3. Correo Electrónico.
4. Categoría en la que participa y su número de participante.
5. Número móvil
6. Redes sociales.

FotoMuseo – Edición 2001, Por Hanz Drews

¿Cómo es el proceso de inscripción?

Las inscripciones iniciaron el 1 de junio hasta el domingo 25 de agosto, sin embargo, en las redes de la Fotomaraton (Instagram) indicaron que se extendió el plazo hasta el 7 de septiembre antes de las 8am, los derechos de participación de cada categoría tiene un valor de 70.000 pesos para profesionales y 50.000 para aficionados.

El jurado de esta edición será:

Anita Pouchard Serra – Fotoperiodista y narradora visual (Francia – Argentina)

Radicada en Buenos aires trabaja entre America latina y Francia. Su trabajo gira entorno a problemáticas sociales actuales como la identidad, la migración, el territorio y los derechos de las mujeres con un enfoque transdiciplinario y una exploración que da del dibujo a la performance.

Ganadora de numerosos premios internacionales entre ellos: Premio GABO (2024), Premio para periodismo de migraciones Suramericano de la ONU Migración (2021).

Brigitte Baptiste – Bióloga Colombiana egresada de la Pontificia Universidad Javeriana (Colombia).

Fue subdirectora de investigaciones y luego directora del instituto de investigación de recursos Biológicos Alexander Von Humboldt por casi 10 años. Desde el 2019 se desempeña como Rectora de la Universidad EAN, institución de educación superior enfocada en el emprendimiento sostenible.

Es considerada una experta en temas ambientales y de biodiversidad y es una importante líder en diversidad de género. Fue parte del comité Asesor internacional del Word Press Photo 2022.

Ángela Ferreira- Artista, curadora e investigadora (Portugal)

Cuenta con un doctorado en comunicación visual sobre fotopintura y autorrepresentacion de las naciones indígenas, obtenido en Estudios Curatoriales y completo una maestría en Fotografía en la Utrecht School Of Arts, Holanda.

Actualmente es comisaria independiente de festivales y exposiciones internacionales, y dirige artísticamente el solar Fotofestival en Fortaleza, Brasil. EN 2018 fue una de las curadoras invitadas a la Bienal de fotografía de Beijing, China, organizada por la academia central de bellas artes y el museo de Arte de Beijing (CAFA Art Museum).

Durante la reciente Feria Internacional del Libro de Bogotá, se realizó la presentación del libro «Frida Kahlo, los sabores de mi México», una recopilación de recetas familiares, fotografías y escritos de Frida Kahlo, realizado por Mara Romeo Kahlo, sobrina de la artista. Esta obra ofrece una visión más íntima de la vida y la pasión de Frida, permitiendo adentrarse en su mundo y conocer su conexión con la gastronomía mexicana.

La exposición «Vida y obra de Frida Kahlo» estará acompañada por la magnífica banda sonora del reconocido pianista y compositor español Arturo Cardelús. Cardelús ha sido nominado al prestigioso premio Goya a la Mejor música original por su trabajo en la película animada «Buñuel en el laberinto de las tortugas». Asimismo, ha compuesto música para producciones audiovisuales como el cortometraje «In a Heartbeat», la miniserie original de Netflix «Call Me Francis», así como las películas «Centurion: The Dancing Stallion» y «Black Beach», entre otras.

La exposición ha sido ampliamente galardonada, recibiendo más de diez premios internacionales, incluyendo el iF Design Award 2023, el Red Dot Design Award al «Mejor Diseño de Marcas y Comunicación 2022» y el Innovation by Design Award al «Mejor Diseño de Experiencia 2022». Aquellos interesados en asistir a esta destacada muestra podrán adquirir sus boletas a través de Tuboleta.com, asegurando así su lugar para disfrutar de esta fascinante experiencia artística y cultural en Bogotá.

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Firefly te permite describir lo que deseas ver y, a partir de esa descripción, generará la imagen correspondiente. No solo puede crear imágenes desde cero en un lienzo en blanco, sino que también puede añadir contenido a las imágenes existentes. Por ejemplo, si estás trabajando en una composición, puedes pedirle a Firefly que agregue una continuación coherente a partir de la descripción dada.

Además de imágenes, Firefly puede generar elementos como vectores, pinceles y texturas, todo personalizado a partir de unas pocas palabras o incluso un boceto. Al estar integrado en las herramientas de Adobe, puedes utilizar estas herramientas para editar y ajustar los resultados obtenidos con Firefly. Por ejemplo, puedes crear una imagen vectorial y luego realizar modificaciones directamente en Illustrator.

Una característica destacada de Firefly es su capacidad para crear videos a partir de texto, comenzando con una imagen estática. Por ejemplo, puedes describir un paisaje y luego añadir efectos como nieve utilizando las herramientas de Adobe, lo que te permite generar animaciones impresionantes.

Firefly también ofrece opciones como generar contenido a partir de imágenes de referencia, crear imágenes fotorrealistas tridimensionales basadas en modelos 3D existentes y modificar elementos específicos dentro de una imagen.

A diferencia de otras herramientas similares, Firefly se integra como una opción dentro de las principales herramientas de Adobe. Esto significa que no es necesario acceder a Firefly de forma independiente; en su lugar, se utiliza dentro de Photoshop o Illustrator, desde donde se pueden realizar solicitudes a Firefly y seguir interactuando con los resultados obtenidos

En términos de entrenamiento, Adobe ha colaborado con Nvidia y ha utilizado conjuntos de datos de licencia abierta y Adobe Stock en lugar de depender de imágenes de Internet que podrían tener restricciones de derechos de autor. Los autores de Adobe Stock pueden incluso beneficiarse al contribuir con sus imágenes para el entrenamiento, o pueden excluir sus trabajos si así lo desean.

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A pesar de la caída del mercado de NFT en el año pasado, con las transacciones cayendo un 94%, de 232,7 millones de dólares en 2021 a 13,9 millones en 2022, el Centro Pompidou ha iniciado un proyecto pionero, aunque no exento de obstáculos legales. Algunas de las obras se adquirieron a precios muy bajos, apenas decenas de dólares al cambio actual de la moneda ethereum, según los registros de la plataforma de NFT OpenSea.

Cerca de la mitad de las obras expuestas han sido donadas por sus autores, mientras que otras se han adquirido mediante euros y se han firmado contratos bajo legislación francesa, además del «smart contract» que rige en el mundo del criptoarte. El Centro Pompidou ha tenido que crear un «wallet» o portamonedas electrónico en OpenSea para realizar las compras.

Entre las obras adquiridas, se encuentra «Bitchcoin», una representación imaginaria de un bitcoin creada en 2015 por la artista Sarah Meyohas, que es uno de los primeros NFT, así como un «cryptopunk», un personaje con cresta que es uno de los emblemas del mundo del criptoarte. El artista californiano Robness donó al Pompidou un retrato imaginario, en 3D, del presunto inventor del Bitcoin, Satoshi Nakamoto, cuya identidad nunca ha sido verificada.

El mundo del criptoarte ha creado muy rápidamente sus propios iconos y mitos, aprovechando la falta de regulación. Para los impulsores del proyecto en el Pompidou, la primera institución europea que inicia una colección de NFT, la decisión ha sido laboriosa. Las transacciones de NFT se realizan con criptomonedas, y el museo parisino no puede invertir en ese arriesgado mundo. Las compras se realizaron mediante euros, y para cada obra se firmó un contrato bajo legislación francesa, además del «smart contract» que rige en el mundo del criptoarte. El Centro Pompidou tuvo que crear un «wallet» o portamonedas electrónico en OpenSea, como hacen todos los coleccionistas de NFT.

Marcella Lista, conservadora jefe del departamento de nuevos medios del Centro Pompidou y comisaria de la exposición, explicó que para los artistas es la idea de entrar en la historia del arte y asegurar la perennidad de sus obras, y el papel de un museo es preservar un patrimonio y asegurar su longevidad. Philippe Bertinelli, otro de los comisarios de la exposición, afirmó que tienen un sistema de conservación en varios servidores que les permite garantizar la perennidad de las obras en caso de una avería o de un incendio.

Además, el museo se enfrentó a otros desafíos, como la complejidad de la tecnología utilizada y la necesidad de entender los conceptos detrás de las criptomonedas y los NFT. Según la conservadora jefe del departamento de nuevos medios del Centro Pompidou, Marcella Lista, «tuvimos que aprender a pensar en términos de blockchains, de claves privadas, de wallets y de smart contracts».

A pesar de estos obstáculos, el museo se enorgullece de ser el primero en Europa en iniciar una colección de NFT, y espera que esto impulse el reconocimiento de este tipo de arte digital como una forma legítima de expresión artística. La exposición ha sido muy bien recibida por el público, y el museo ha notado un gran interés en las obras, especialmente entre los jóvenes.

Publicado en: Centro Pompidou

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Eduardo Butrón Hodwalker es un artista nacido en Magangué, Bolívar, Colombia, que ha hecho de la recolección de desechos una forma de expresión artística. Utilizando materiales recogidos del lecho del río Magdalena, uno de los principales ríos de Colombia, Butrón crea obras de arte que transmiten un mensaje sobre la problemática ambiental y social en su región y en el mundo.

Entre los desechos que utiliza para sus creaciones se encuentran zapatos que pertenecían a posibles víctimas del conflicto armado en Colombia, cuyos cuerpos fueron arrojados al río. Esta es una realidad dolorosa de la región que, aunque no es la única, ha sido la inspiración para algunas de las obras de Butrón, como una instalación de zapatos que cuelgan de un árbol, titulada «Zapatos en el aire».

Aunque el tema de la violencia es importante para el artista, su principal mensaje está relacionado con la problemática ambiental y el impacto que la acción humana tiene sobre la naturaleza. Al recoger desechos del río, Butrón busca crear conciencia sobre la contaminación que afecta al río Magdalena y a otros cuerpos de agua en Colombia, así como sobre la importancia de preservar el medio ambiente.

En una entrevista con el diario El Heraldo, Butrón explicó que su trabajo artístico es una labor de tipo ambiental: «Nosotros nos dedicamos a limpiar, a recoger los desechos, para que ese material no siga contaminando y, al mismo tiempo, darle vida a través del arte». De esta manera, el artista transforma materiales que antes eran considerados basura en obras de arte con un alto contenido ecológico y pedagógico.

Butrón ha expuesto sus obras en diversos espacios, incluyendo el Gran Salón BAT de Arte Popular, Colombia y el Medio Ambiente, así como en el Museo de Arte Moderno de Bucaramanga. El Gran Salón BAT de Arte Popular es un espacio para los artistas empíricos de Colombia que «presenta propuestas innovadoras, muchas veces a partir de técnicas ancestrales». En esta exposición, Butrón ha presentado obras como «El hombre del río», un mosaico que representa un cuerpo humano hecho con tapas de botellas de plástico, y «La fosa común», un ensamblaje que utiliza elementos como huesos, zapatos y botellas de vidrio para crear una obra que representa la violencia y la muerte.

El Gran Salón BAT de Arte Popular también ha sido una plataforma para otros artistas que buscan crear conciencia sobre la problemática ambiental y social en Colombia. Según la organización del evento, esta exposición «hace un llamado de atención desde el arte popular sobre los temas medioambientales que se relacionan con los territorios y las ciudades colombianas, y que a la vez son de carácter global como la deforestación, la contaminación, la minería ilegal, el fracking, la extinción de las especies y el mal manejo de las basuras».

Además de premiar a los artistas, el Salón BAT de Arte Popular también busca servir como un semillero para artistas empíricos, incluyendo aquellos que se encuentran en prisión.

La realidad aumentada es una tecnología que combina elementos del mundo real con elementos virtuales, creando una experiencia única e inmersiva. En el arte, la realidad aumentada se utiliza para crear obras de arte que cobran vida y para permitir que los espectadores interactúen con ellas de una forma más profunda.

Un ejemplo de arte que utiliza la realidad aumentada es la obra «Sky Magic Live at Mt. Fuji», de la compañía japonesa de drones «MicroAd». En esta obra, se utilizaron más de 20 drones para crear un espectáculo de luz y sonido en el que se mostraban formas y patrones complejos en el cielo. Los espectadores podían ver la obra a través de sus teléfonos móviles y a medida que movían sus dispositivos, la obra se adaptaba a su posición y perspectiva, creando una experiencia inmersiva.

Otro ejemplo es la obra «Invasion!», del artista francés Philippe Parreno. En esta obra, los espectadores usan una aplicación de realidad aumentada en su teléfono para ver criaturas imaginarias que interactúan con el mundo real. Estas criaturas se mueven y reaccionan a su entorno, creando una experiencia de arte completamente nueva e interactiva.

La realidad aumentada también se utiliza en el arte callejero, permitiendo a los artistas crear obras de arte que interactúan con el entorno y los espectadores. Un ejemplo de esto es la obra «ARtino», del artista español Joaquín Rodriguez, en la que se utiliza la realidad aumentada para crear un mural interactivo. Los espectadores pueden usar una aplicación en su teléfono para ver cómo el mural cobra vida, creando una experiencia única y sorprendente.

La realidad aumentada ha permitido a los artistas explorar nuevas formas de expresión y ha dado lugar a una nueva forma de arte. Con obras como «Sky Magic Live at Mt. Fuji», «Invasion!» y «ARtino», podemos observar cómo la realidad aumentada seguirá evolucionando y cambiando la forma en que experimentamos y entendemos el arte.

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